Parece que fueron los babilonios quienes primero celebraron el año nuevo con promesas para el futuro. El festival Akitu en Mesopotamia duraba más de 10 días a mediados de marzo, y en él se coronaba a un nuevo rey (o se renovaba la fidelidad al ya regente), además de afirmar el compromiso de pagar las deudas y a devolver lo que se había tomado prestado en los meses precedentes.

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Por primera vez en España se genera un dato de Total Video que incorpora los consumos de televisión lineal (La1) con los de plataformas digitales como RTVE.es y YouTube utilizando datos registrados por Kantar y Comscore. Además, The Cocktail Analysis ha realizado un estudio adicional en colaboración con Netquest y Fluzo con una muestra representativa de la población activa española compuesta por 1.800 espectadores de entre 16 y 65 años a los que han instalado audímetros en sus teléfonos móviles. Gracias a ello no sólo se han podido medir audiencias, sino también lanzado encuestas en tiempo real para investigar el contexto y motivaciones del consumo del contenido por parte de los usuarios y espectadores. Entendiendo el show Esta detallada metodología permite conocer de forma cualitativa y cuantitativa cómo han disfrutado los espectadores del programa y qué ha supuesto para la audiencia las diferentes etapas ocurridas a lo largo de la última edición de Operación Triunfo. Esto incluye la identificación de los momentos que desencadenan mayores consumos en las galas y en la Academia. De ese análisis se concluye que esos momentos de gran consumo fueron motivados por contenidos musicales y también elementos de "reality". Algunos de los hitos más relevantes de OT 2018 La polémica sobre la canción ‘Quédate en Madrid’ de Mecano supuso un hito de consumo muy notorio fuera del lineal, ya que el consumo bajo demanda consiguió niveles de audiencia similares a los de gala, que además se mantuvo durante los cuatro días siguientes multiplicando por 1,2 la audiencia bajo demanda en comparación a la semana anterior. Uno de los momentos más comentados de la última edición de ‘OT’ fue la reincorporación de Javier Calvo y Javier Ambrossi en sustitución de Itziar Castro. ‘Los Javis’ fueron un auténtico fenómeno en ‘Operación Triunfo 2017’ y su regreso se notó en la audiencia de la edición de 2018, ya que el ‘share’ (la cuota de audiencia) del programa experimentó un crecimiento de hasta 3 puntos de manera sostenida durante sus primeros días en la academia. No menos relevante fue el momento en que Pablo Amores, el novio de María (Villar, una de las participantes de la edición 2018), hizo su aparición en una gala. Además de generar un pico en el consumo de ese contenido, aumentando hasta 2 puntos con respecto a la anterior gala, ha resultado ser un gran momento del programa, así lo aseguraba el 79% de los encuestados al responder a la pregunta de ‘¿Cuál fue el momento que más te gustó de la gala? El estudio ha permitido observar cómo estos hitos impactan directamente en el volumen de consumo bajo demanda que se genera después de que se produzcan. OT y el descubrimiento de música La metodología empleada en el estudio permite saber qué canciones han escuchado los panelistas tanto antes de la emisión de OT, como después, y comparar el impacto que tiene el programa en el consumo de música. El análisis muestra cómo OT ejerce de desencadenante del consumo de canciones, haciendo una labor de descubrimiento/redescubrimiento donde el espectador vuelve a escuchar las canciones (tanto la original como la interpretada en OT) tras la aparición en el show. Algunos ejemplos destacados de este efecto La canción ‘Llorona’ que multiplicó sus escuchas por cuatro tras su aparición en Operación Triunfo La canción ‘Toxic’ que multiplicó sus escuchas por tres tras su aparición en Operación Triunfo Organiza su consumo digital semanal Los contenidos digitales permiten a los espectadores estar actualizados y poder volver a disfrutar de los contenidos que son más relevantes para ellos. De esta manera realizan un seguimiento del show “a la carta”. Las medias de tiempo de sesión fueron desde los 6,5 minutos en YouTube hasta los 45 minutos de media de la gala de los miércoles. El canal en directo de OT en YouTube tuvo una media de duración de sesión de 32 minutos, valores cercanos a los de un programa de TV, y en RTVE.es la media fue de 12 minutos. La estructura de contenidos digitales ofrecidos por el show a lo largo de la semana amplían las posibilidades de ver OT, generan audiencia exclusiva digital y posibilitan que los espectadores incluso conecten o reconecten con las galas televisivas. El análisis ha permitido observar cómo cada usuario organiza su consumo de contenidos digitales dependiendo del momento en el que se encuentre de la semana (y su propia relación y cercanía con el programa). De esta forma, se han identificado patrones de consumo diferentes durante los más de 3 meses de emisión (y de medición continua). Los espectadores de la gala en TV continúan su experiencia OT durante la semana de una manera estructurada. El 43% revisita contenidos de la gala el día después de su emisión, siendo los resúmenes disponibles en RTVE.es uno de los contenidos más consultados. Otro dato refleja que los viernes se consumen contenidos vinculados con la academia en vídeo bajo demanda (72%); el sábado es el día que más acceden a contenido en directo (22% pase de micros/19% OT24H), mientras que el domingo un 21% consume de nuevo la gala (esta vez en diferido). Los martes sirven de calentamiento para la nueva gala y un 38% accede a OT24H. Identificando a los fans de ‘Operación Triunfo’ El análisis del consumo permite definir cuatro tipos de perfiles entre los espectadores de Operación Triunfo 2018: 1. Digital puro: perfil más joven que no consume contenido en TV. Ve una media de 5,5 contenidos e invierte 28 minutos en el consumo semanal de OT. 2. Tradicional: Perfil más senior que únicamente accede al contenido digital en caso de perderse la gala en TV. Ven una media de 3,3 contenidos semanales que equivalen a 1h y 10 minutos de consumo 3. Intensivo multiplataforma: Perfil femenino y joven con un consumo semanal de 3 horas (6,7 contenidos de media por semana). Siguen el programa en todas sus ventanas de visualización de manera puntual e intensiva. 4. Esporádicos: Perfil similar a la población española que ve algún contenido relacionado con el programa: 1,7 contenidos de media y 7 minutos de consumo. El 10% de los espectadores de Operación Triunfo son consumidores intensivos del programa y suelen disfrutar de todo el contenido generado por el show en sus diferentes plataformas. Las características de los fans intensivos de OT 1. Ven en directo la gala y se comunican por el chat 2. Buscan en OT24H las reacciones a las galas inmediatamente después y durante la semana. Es decir, van haciendo seguimiento a lo que sucede en tiempo real” 3. Vuelven a ver las actuaciones que más les gustan durante el fin de semana tanto en YouTube como en RTVE.es.

Esta noche (22.30) llega a MTV «Riccanza World», un reality cuya premisa se basa en seguir la vida de seis millenials adinerados durante un fin de semana en Capri. En Villa Camelia, la residencia en la que estos chicos ricos se alojan, los jóvenes podrán conocerse en profundidad así como compartir inquietudes que, a buen seguro, se situarán en las antípodas de las de la audiencia media de la cadena. Entre los concursantes de «MTV Riccanza World» se encuentra Marta Estrada, influencer y diseñadora española que dirige su propia marca de zapatos de tacón de lujo. «La experiencia ha sido muy enriquecedora. Nos hemos divertido muchísimo y hemos forjado amistades que perdurarán toda la vida», destaca la joven a este diario. Estrada, que ha escogido el formato de MTV para su primera intervención en televisión, afirma que dudó a la hora de aceptar la oferta de la cadena por temor a que la repercusión mediática fuera negativa. «No sabía que hacer, pues me daba miedo de que el resultado no fuera productivo para mi empresa. El equipo de MTV, sin embargo, me ha convencido y el programa se ha convertido en toda una oportunidad para mostrar mi lado más personal», asegura. Estrada, que muestra a diario su lujosa vida a través de sus redes sociales, reconoce que la imagen que muestra en aplicaciones como Instagram puede distar a menudo de la realidad. «En ocasiones, mis redes una imagen muy distinta a la persona que soy. Con este programa quiero que el público vea mi lado más humano», subraya. Como reconoce la joven a ABC, «en el programa muestro mi faceta más sincera, por lo que es posible que haya frases que se malinterpreten aunque estoy dispuesta a asumir el riesgo. Cuando tienes talento y una personalidad fuerte la gente siempre tiene a criticar, y eso es algo que no está en mis manos». Ver esta publicación en Instagram El baño de la discordia. Una publicación compartida de Marta Estrada (@martaestradanyc) el 15 Feb, 2019 a las 4:41 PST Casting completo El casting de #MTVRiccanzaWorld cuenta con cuatro chicas y dos chicos: Marta Estrada, la representante española en el reality; Farid Shirvani, un veterano de #Riccanza Italia; Rui Santoro, un portugués amante de las mujeres y el mar; Silver Yasmin, llegada desde Holanda y la más joven del grupo; Liliana Nova, una modelo e influencer; y Elena Bryntsalova, una de las estrellas más glamurosas de Richissitudes, la versión francesa de Riccanza. Como no podía ser de otra forma, en el programa no faltarán los coches de lujo, las fiestas en los lugares más exclusivos, las cenas en los mejores restaurantes y la ropa de diseño, todo esto siempre acompañando por el irónico humor de sus protagonistas, que disfrutan a diario de sus vidas de lujo y bromean sobre ellas.

Es uno de los referentes de Sálvame, veterano de las broncas en el plató de Telecinco y hasta presentador cuando se ausentan los conductores oficiales. El viaje televisivo de Kiko Hernández ha dado mucho de sí desde que quedó como tercer finalista en la tercera edición de Gran Hermano, donde protagonizó un tórrido edredoning con Patricia Ledesma, a la postre única novia oficial del tertuliano, que siempre se ha guardado como un tesoro su vida privada. Y eso que ha sacado rédito a su trayectoria televisiva gracias a su paso por diversos programas del corazón, desde «A tu lado» a «La Noria», hasta que debutó en Sálvame hace casi una década, en 2010, programa en el que sigue hoy en día como uno de los colaboradores principales junto a Belén Esteban, Mila Ximénez y Lidia Lozano. Pero mucho antes de convertirse en uno de los fijos de Sálvame, la gallina de los huevos de oro de las tardes de Telecinco, Kiko Hernández debutó en televisión para hablar, curiosamente, de romanticismo. Fue tras la muerte de José María Íñigo que se descubrieron los primeros pinitos de Kiko Hernández en televisión. Fue durante el homenaje que «Sábado Deluxe» le hizo al querido presentador de radio y televisión cuando, en el vídeo, apareció un fragmento del programa «¿De qué parte estás?» que presentaba en los años 90. Lo que no se podían ni imaginar los propios organizadores del programa es que entre las imágenes emitidas en 1995 aparecería un jovencísimo Kiko Hernández por primera vez en un plató de televisión, como invitado para dar su opinión sobre el romanticismo. El 'Deluxe' rescata un vídeo con un jovencísimo Kiko Hernández antes de 'GH' y donde se conocieron @sandovalizate y Nacho Polo > https://t.co/GAYa8rdesP pic.twitter.com/9BoX3BNUE6— Sábado Deluxe (@DeluxeSabado) May 6, 2018 Parece que el tertuliano de Sálvame le cogió el gustillo a eso de verse en el medio catódico, pues a partir de ahí no dejó de probarse ante las cámaras. Otra de sus desconocidas apariciones en televisión fue en la serie Farmacia de Guardia. Fue el escritor Miguel Herrero quien, revisando viejos archivos, se topó con Kiko Hernández como figurante entre el reparto de la mítica ficción. Así que siete años antes de participar en Gran Hermano, al televisivo ya le había picado el gusanillo de ser famoso. Esto de revisar los archivos hace que te encuentres con Kiko Hernández como figuración de "Farmacia de guardia" unos 7 años antes de "Gran hermano". Cosas de la tele...https://t.co/qyoAGnWIVX pic.twitter.com/6hINhzssxq— Miguel Herrero (@MiguelHerreroSJ) February 5, 2019

En los últimos años Javier Calvo y Javier Ambrossi, más conocidos como los Javis, se han convertido en figuras imprescindibles de la industria audiovisual española. Tras el arrollador éxito de «La llamada», tanto en su versión teatral como cinematográfica, y de la serie «Paquita Salas», los jóvenes directores madrileños han conseguido uno de esos contratos con los que sueña cualquiera que se dedique al mundo del audiovisual. Hace solo unos días Atresmedia Studios anunciaba que había alcanzado un acuerdo de exclusividad con la pareja en virtud del cual todos los proyectos de su productora Suma Latina irán destinados a terceros operadores, canales o plataformas de Atresmedia. El director de Atresmedia Studios, Ignacio Corrales, explica que «para conseguir los mejores resultados creativos es importante tener tiempo para trabajar juntos. El hecho de hacerlo en exclusividad genera una confianza que nos permite hacer una apuesta firme por ambas partes. Javier Ambrossi y Javier Calvo han demostrado una voz propia, han logrado unir éxito y talento y vamos a trabajar con ellos para desarrollar producciones con un sello tan reconocible como único». Por su parte, Javier Calvo celebró el acuerdo declarando que «nuestra forma de entender la ficción casa muy bien con la de Atresmedia Studios y sentimos que esta es una gran oportunidad para contar historias diferentes, emocionantes y libres». La fama de Calvo, el más joven de la pareja, empezó precisamente en una serie que emitía Antena 3, «Física o Química», en la que interpretaba al personaje de Fer, un joven acosado en el instituto por su homosexualidad. Apareció también en «Los misterios de Laura» y en «Amar es para siempre», participando en un episodio de cada una de las ficciones. Además ha dirigido algunos cortometrajes («La viuda», «Rotos», «La constante» o «Niebla») y ha sido intérprete en varias obras de teatro como «Los que besan bien» y «El sur de Europa. Días de amor difíciles». En cambio, los primeros pasos de Ambrossi fueron en la publicidad, aunque pronto participó en series como «El comisario» o «Amar en tiempos revueltos», aunque sus papeles más emblemáticos han sido los de Gustavo en «Sin tetas no hay paraíso» y el de Cristiano en «Ciega a citas». Al igual que su pareja, Ambrossi es un artista todoterreno que ha probado suerte en el cine y en el teatro, e incluso fue reportero para el canal Animax, una cadena japonesa especializada en anime. Carismáticos y comprometidos Ambrossi y Calvo comenzaron su relación sentimental en 2010, y sobre esa época han contado en una entrevista que «había menos trabajo para actores y estábamos más relajados y sin mucho que hacer, nos conocimos y empezamos a escribir». De esos años salieron obras de teatro como «Windsor», y sus guiones fueron madurando poco a poco hasta que en 2013 estrenaron «La llamada» en el Teatro Lara de Madrid. Con esta obra se llevaron nueve premios BroadwayWorld y en 2017 estrenaron su versión cinematográfica, que cosechó decenas de galardones en festivales de todo el mundo. Cuando «La llamada» llevaba ya tres años en cartel y era una obra consolidada los Javis cambiaron de tercio y se lanzaron a dirigir una serie. Así nació «Paquita Salas», una serie en la que Brays Efe interpreta a una representante de actores en horas bajas. «Hemos creado la serie que hemos querido sin tener en cuenta la opinión de todo el mundo», explicó Ambrossi a ABC. Aunque en un principio se emitía en Flooxer, en octubre de 2017 Netflix compró los derechos de «Paquita Salas» y ya ha anunciado que habrá tercera temporada. El éxito de «Paquita Salas» fue lo que acabó de catapultar a los Javis a la fama, que desde entonces se han convertido en personajes públicos carismáticos y comprometidos. Durante la entrega de los Premios Feroz 2018, donde recibieron el galardón a mejor comedia por «La llamada», Javier Calvo dio un emotivo discurso dedicado a los homosexuales que sufren acoso: «Si siente que no le van a querer, que sepa que le van a querer y que va a encontrar su sitio. Va a cumplir su sueño. Nosotros vamos a escribir historias para que tú te sientas inspirado. 'La llamada' habla del valor de ser tú mismo, de encontrar tu camino y, pese a quien le pese, ser quien tú quieres ser». Tanto Calvo como Ambrossi han reconocido haber sufrido acoso escolar por su condición sexual y ambos son muy activos en la defensa de los derechos LGTB. Los Javis no paran quietos un minuto y ahora andan con varios proyectos entre manos. Hace ya unos meses confirmaron que estaban trabajando en crear su propio reality al estilo del de Alaska y Mario, pero con «pinceladas de actualidad y temática social». También están inmersos en el rodaje de la tercera temporada de «Paquita Salas» y en el estreno de «Terror y feria», una serie que mezcla el terror con la comedia cañí y el folklore icónico: «Es como si un un capítulo de Black Mirror fuera a la Feria de Abril». Corrales explica a ABC que están preparando «contenidos que van en una línea en la que ellos ya nos tienen acostumbrados como también otras opciones más rupturistas y con las que innovar». Defiende que la filosofía de la empresa es «potenciar la creatividad» y que por tanto a los Javis «no hay que ponerles límites, sino potenciar el talento que ya tienen».

No ha habido mejor manera de celebrar el centenario de Juan Eduardo Zúñiga (Madrid, 1919) que la edición de sus dos primera novelas, edición que es una joya por varios motivos. El primero es que recuperan a ese Zúñiga desconocido que Manuel Longares ha denominado «secreto», y de la mano de Cátedra se propicia que comience a entrar en un canon que le había sido resistente, por lo que luego diré. Esa edición incluye un estudio introductorio firmado por Luis Beltrán y Ángeles Encinar, dos de los mayores especialistas en su obra, que no se limitan a analizar los dos títulos editados, «Inútiles totales» (1951) y «El coral y las aguas» (1962), sino que dan cuenta de la totalidad de su producción literaria, lo que convierte a este libro en la mejor forma de aproximarse al conocimiento de su autor. Cuando a estas alturas del siglo XXI leemos «Inútiles totales» y «El coral y las aguas», nos preguntamos por la desdichada suerte que ha tenido en España la literatura que se salía del carril tópico que habían señalado en esos años el realismo social y un cierto experimentalismo vacuamente vanguardista. Pensemos por ejemplo en la fecha de 1962, año en que aparecen «El coral y las aguas» y «Tiempo de silencio», de Luis Martín-Santos, novela que se vio entronizada muy pronto en al altar de un neorrealismo experimentalista. Pero también «El coral y las aguas» era experimentalista si bien en un sentido muy diferente al propuesto por el psiquiatra y escritor. Es una novela alegórica, que en un Prólogo de 1962 que esta edición recupera, sabemos que fue una forma de resistencia de su autor frente a los miedos de la censura. He pensado en que otro autor nacido en el mismo año que Zúñiga, Julián Ayesta, publicó en 1952 «Helena o el mar del verano», que tardó también lo suyo en tener el reconocimiento merecido porque se escapaba (de otro modo) del carril que dictaban las necesidades y ortodoxias socio-literarias. Prosa impecable Muchas de esas ortodoxias eran directamente políticas, pero no es menos política la alegoría imaginada por Zúñiga, solo que la sitúa en Macedonia, en la edad clásica griega, ensayando unas fabulaciones a menudo crípticas a las que el lector se encontraba poco acostumbrado, pero en las que late, junto a una prosa castellana impecable, sonora, eficaz, casi poética, la indisimulada apuesta por enfrentar el amor de dos jóvenes a diferentes formas del dominio y del poder. Se propicia con esta edición que entre en un canon que le había sido resistente Añade su condición de lúcido premonitorio como el párrafo que en 1995 incluyó como íncipit de la novela: «Toda mujer escuchará algún día el mensaje que habrá de llegarle del futuro. En cualquier sitio oirá la voz que profetiza, y aun sin entenderla recibirá su fuerza y sabrá que una sabiduría entró en su cuerpo, y dejará de ser paciente mujer para ser mujer…». Leemos «El coral y las aguas» y percibimos que, aunque cueste entenderla en muchos de sus pasajes, su grito de libertad resuena tan nítido como necesario. La pequeña anécdota que sostiene la novela «Inútiles totales», muy a lo Turguéniev, quien centraba sus novelas en tipos casi antiheroicos, permite trazar a Zúñiga un autorretrato que es también una estética, cuando escribe: «Tenía este la obsesión de buscar en todos los hombres su rincón misterioso, aquel que les transforma de triviales en tipos sugestivos». Dos amigos, el amor por la misma mujer se cruza. Pero lo de menos en un Zúñiga que se estrenaba en la novela corta era la anécdota con la que hilvana la trama. Lo primordial es que pergeñaba esa mirada suya de escritor radicalmente verdadero, entregado a la pureza y sabiduría del decir algunas de las palabras mejor dichas en castellano. Vendrá el día en que este país sepa reconocerlo. Esta edición es un paso importante. La literatura como vida Juan Eduardo Zúñiga ha cumplido un siglo. Se celebra su centenario y su extraordinario legado artístico. Especialista en lenguas eslavas y experto en la obra de Pushkin y Turguéniev, de ambos le sedujeron la descripción de paisajes, los personajes y los secretos como se muestra en sus ensayos: «Los imposibles afectos de Iván Turguéniev» (1977) y «El anillo de Pushkin» (1983). También le interesó la literatura portuguesa. En 1987, su traducción de Antero de Quental mereció el Premio Nacional. Sus primeros libros fueron novelas: «Inútiles totales» (1951) y «El coral y las aguas» (1962). La primera, con rasgos autobiográficos, barojianos y rusos, anticipa temas y motivos predilectos. El coral y las aguas fue ignorada, lo que solo se explica por la obsesión con el realismo social de sus coetáneos; la obra iba «contra corriente». Zúñiga es maestro del cuento. Se reconoció con «Largo noviembre de Madrid» (1980), «La tierra será un paraíso» (1989) y «Capital de la gloria» (2003), reunidas después en «La trilogía de la Guerra Civil». En este ciclo de la destrucción de la tierra natal sobresale la ceremonia de la ruina, pero también la dimensión regeneradora. En «Flores de plomo», rememora a Larra con quien se identifica por su visión de la realidad española. La obra de Zúñiga ha sido vanguardista, lo ratifica «Misterios de las noches y los días». Son relatos muy breves en el ámbito fantástico. Lo real se trasgrede por la presencia de lo ilógico o mágico y aparece un mundo turbador. Por otro lado, en «Fábulas irónicas» se impone una indagación estética en la historia desde una dimensión grotesca. Premio Nacional de las Letras Españolas en 2016, ha sido un precursor al practicar una estética diferente y proponer temas transgresores. Ética y calidad literaria están siempre juntas en su obra. Por Ángeles Encinar «Inútiles totales. El coral y las aguas». Juan Eduardo Zúñiga Narrativa. Cátedra, 2019. 272 páginas. 18 euros

Ya nadie llamaba asqueroso a nadie. Era un adjetivo perdido, confinado a la crítica gastronómica infantil, aunque no es difícil detectar un sutil reverdecimiento del término ni aventurado atribuirlo a la última novela de Santiago Lorenzo (Portugalete, 1964). El autor, como su protagonista, tiene antecedentes sin confirmar. En el cine perpetró Mamá es boba, película de un talento desgarrador, inadaptado. Una obra de culto, vaya, título honorífico que no logró certificar con Un buen día lo tiene cualquiera. Entre los libros se le nota menos el desarraigo congénito, pero ha sido capaz de publicar una historia sobre un terrorista del Grapo que no puede cobrar un billete de lotería por carecer de DNI (Los millones) y otra sobre tres hermanos que odian las tablas y heredan un teatro (Los huerfanitos). El personaje central de Las ganas, se pueden imaginar, no era más feliz. Los asquerosos muestra a su sosias -él mismo vive en una aldea segoviana semiabandonada, cuyo nombre se niega a desvelar- «metido hasta las trancas en la empresa suprema de hacer a cada momento solo lo que quisiera hacer». Es mejor no conocer de antemano los pormenores de cómo llega hasta su nirvana, después de vivir un infierno laboral -toreando las quejas telefónicas de los clientes de una de esas empresas que todos sufrimos- y de un incidente con un policía que lo empuja al destierro. Se ha comparado a su Manuel con Robinson Crusoe e incluso con los personajes de Theroux, pero la huida del antihéroe español es más interior y radical, al amparo de la España vacía. Por ahí se parece más a los disparatados hijos de Eduardo Mendoza. No al aburrimiento Manuel se convierte de la noche a la mañana en millonario o, para ser más preciso, rico en tiempo, que al contrario que el dinero sí tiene límites. «Lo bueno no era que con tantas horas por delante pudiera hacer lo que le saliera de los cojones. Lo bueno era que no paraban de salirle cosas de los cojones todo el día», precisa el autor. El aburrimiento no es una opción. Muy al contrario, el personaje disfruta de un tiempo eterno, «sin salpicaduras sociales». Su felicidad es tan terminal que acaba por sentir envidia de sí mismo. El relato está plagado de hallazgos lingüísticos, marca de la casa, todo ello en el poblado ficticio de Zarzahuriel, un Macondo al revés, donde mata el tiempo, o le da vida, de las más diversas maneras. Se entrega a la lectura «austral», se inicia en la agricultura y juega «en ajedreces en los que llevaba las blancas y las negras». Pero lo que termina de convertir en adictiva esta novela singular es el ritmo y la intriga, aliñados con un humor zaino, de incorrección suicida. Tal es el ataque contra las convenciones que el lector puede optar por afiliarse a los ofendiditos o abandonarse a su evasión reconfortante, terapéutica, que un autor más avispado y menos ambicioso habría exprimido como autoayuda. El toque coelhiano estaba ahí mismo, tentador: Manuel descubre la «desnecesidad» y lleva al extremo la máxima de que no es más feliz quien más tiene, sino quien menos necesita. Lorenzo es consciente del riesgo mayor, que su público se identifique como «mochufa» o «desnormal», que le agarre aprensión al texto y tirria a su autor, tan explícitos son los aguijonazos. «Lo siento mucho si te he ofendido. Pero a mí no me toques», apostilla, antes de concluir que todos somos, como mínimo, «candidatos a asquerosos». Los asquerosos. Santiago Lorenzo. Blackie Books, 2018. 224 páginas. 19,95 euros.

Cuando hace diez años el artista multidisciplinar -también músico- Iury Lech y su equipo pusieron en marcha MADATAC como festival de art.net , nuevos medios y vídeo en Madrid, su propuesta, en sus palabras, fue recibida «como una marcianada»: «¿Había demanda? Esa es una buena pregunta -señala-. Soy de los que piensan que ésta se genera creando oferta. Si no ofreces determinados contenidos, no puedes desarrollar cierto gusto en el espectador». Una década después, parece que el interés por este tipo de proyectos ha fraguado en Madrid. Y el contar con una trayectoria consolidada y, sobre todo, un background de propuestas y materiales digitales almacenados, dan pie a dar un paso más. Es así como esta semana, coincidiendo con el arranque de la X edición del festival, cuyo leit motiv es el papel del artista en la era post digital, abre sus puertas en la ciudad La Nave Digital, un espacio de 300 m2 como laboratorio de producción, creación y exhibición de arte audiovisual contemporáneo, y donde se desarrollarán exposiciones, sesiones de videoarte, clases magistrales, talleres y encuentros con videoartistas. Nada es casual «La razón del nacimiento de La Nave Digital no es casual, resultado de una trayectoria mucho más extensa y asociada al devenir de MADATAC -explica Lech-. Aquí convergen muchas cosas: por un lado, el fin de las emisiones de Transfera, nuestro programa de televisión semanal sobre videoarte, que se canceló cuando cierra la emisora en la que se emitía. Eso nos dejó con un bagaje de artistas que querían seguir colaborando con nosotros, para lo que se pensó en buscar un espacio físico para hacerlo. Por otro lado, con la VII edición del festival se puso en marcha el Museo Virtual Transmadatac, esto es, un museo interactivo online con todos los contenidos generados durante todos estos años y que invita al espectador a visitar una gran colección digital, no solo de obras, sino también de charlas, de conferencias, que ahora se relanza al contar con un espacio desde el que gestionarlo». Una antigua ebanistería al norte de la ciudad, en la calle Nenúfar, 22, se transforma en el escenario en el que, desde la gestión privada, se quiere abarcar un conjunto de iniciativas, que de manera aislada y puntual, desarrollan otras instituciones en Madrid, como MediaLAB (que se circunscribe al contexto local), Cineteca (una de las sedes de MADATAC) o la Fundación Telefónica. «Si me preguntas por referentes, desde luego ponemos la mirada en espacios como el KZM de Karlsruhe (Alemania) o el ArsElectronica Center de Linz, en Austria. Aquí no hay referentes que, desde lo privado, apuesten por estas propuestas y, sobre todo, por las nuevas generaciones. No son estos espacios rentables. Y con 300 m2 nos sobramos, porque lo importante no es generar espacio, sino ampliar los contenidos. El supuesto Instituto de las Artes Visuales que se iba a desplegar en Tabacalera se tendría que haber encargado de estas cuestiones que nosotros implementaremos a pequeña escala, Y ojalá interese a alguna instancia como un Ayuntamiento de Madrid, al que ahora no seducimos, o un Ministerio de Cultura, y recojan nuestro guante». La Nave Digital se presenta como un espacio diáfano, con su techumbre a dos aguas. Un entorno «elegante, limpio, que respeta las obras de los artistas, su correcta exhibición y recepción, sin las limitaciones de otros lugares en los que todo son prebendas». Lo que más llama en él la atención es su plató de rodaje con ciclorama en el que estos días se muestra The Perfectionist, tercera parte de la «Trilogía del fracaso» de Julian Rosefeldt, perteneciente a la colección Fernandino Pi y que se incluye en la muestra inaugural que convoca, entre otros, la animación digital de Rafael Triana, las experiencias de realidad virtual de Alfredo Barroso o las inmersivas de Reinhard Gupfinger. Porque esta nave se ha pensado como lugar donde visionar obras de videoarte de artistas tanto emergentes como grandes figuras seleccionadas por MADATAC (ya se habla de Micro/Macro, de Ryoji Ikeda, una eminencia en la materia, y plato fuerte del festival de este año, que hasta el 24 de febrero extenderá sus tentáculos también al Círculo, la Cineteca o al NH Collection Eurobulding). Pero también piezas pertenecientes al escaso coleccionismo existente en España en torno a estas disciplinas. Y todo a un coste «insignificante»: «El festival ha contado con alguna ayuda de la Unión Europea, que ya se acabó, de unos 10.000 euros, a los que nosotros tuvimos que añadir otros 10.000. Pero eso no es una ayuda. Lo es el millón que se lleva por ejemplo, PHotoEspaña, proyectos a los que no tiene sentido apoyar porque ya se mantienen solos», cuenta Lech. «No tenemos ánimo de lucro, pero sí que creo que respondemos a un mandato: hacer llegar este tipo de propuestas al público, atender al que ya hemos generado, y hacerlo contextualizando, de manera pedagógica y generando cantera». Para su director, La Nave Digital, quizás algún día podría suponer el replanteamiento de MADATAC, e incluso, siendo muy optimistas, que las administraciones reconocieran su papel y lo sumieran como propio: «Eso me permitiría apartarme de la gestión y dedicarme a mi propia obra, a la que abandoné hace una década. Pero si algo he aprendido es que es más enriquecedor trabajar junto a los otros que hacerlo solo». Con ese espíritu nos invita a conocer La Nave Digital. Un nuevo punto de encuentro físico para contenidos digitales, los mal llamados new media, con toda una historia a sus espaldas que merece ser reactivada.

La última semana de febrero se ha convertido en una fecha clave para el calendario comercial del arte contemporáneo en España. En esos días coinciden en Madrid distintas ferias que representan un elevado porcentaje de las ventas anuales de las galerías participantes. Ante el incuestionable protagonismo de ARCO, los demás eventos -todos de formato y alcance más reducido- han buscado diversas estrategias para atraer la atención del público y de los coleccionistas: la especialización temática, la figura del artista invitado, los contenidos comisariados y los programas paralelos son los principales recursos para definir una identidad que no quede eclipsada por el gigante de IFEMA. ArtMadrid, que celebra este año su edición número catorce, es la más veterana del sistema de ferias «satélites». Uno de sus grandes aciertos fue su traslado en 2014 al centro de la capital, en la Plaza de Cibeles. Un año más tarde estableció un programa paralelo de exposiciones, conferencias y encuentros que, desde entonces, ha desarrollado muy interesantes líneas de debate sobre aspectos transversales a las prácticas artísticas; entre ellos, la accesibilidad, la mediación, las cuestiones de género o los vínculos con las nuevas tecnologías. En esta edición, ArtMadrid y el festival PROYECTOR han elaborado un programa dedicado al videoarte: una disciplina que sigue atravesando numerosas dificultades para afianzarse en el ámbito del coleccionismo privado. Debatir y contemplar El programa dio su pistoletazo de salida el pasado día 11 febrero, con un taller formativo celebrado en CaixaFórum, titulado 58 formas de mirar el cuerpo y dirigido por la coreógrafa Elena Córdoba y el artista David Benito. Pero el grueso de la propuesta tendrá lugar la semana que viene entre el 21 y el 23 de febrero en el Auditorio de la sala Alcalá 31, y se estructurará en dos líneas de trabajo: por un lado, encuentros con artistas y agentes especializados en el ámbito del videoarte; por otro, la proyección de ciclos comisariados. La primera cita, el día 21, reunirá a Eva Ruiz, Marta Pérez Ibáñez, Idoia Hormaza y Enrich Abogados para abordar problemáticas vinculadas a la producción, distribución, exhibición y venta de las producciones audiovisuales. En este encuentro también participará la coleccionista Teresa Sapey, a partir de cuyos fondos se ha elaborado el ciclo Mujer como sujeto del videoarte, y que incluirá la proyección de piezas de Candize Breitz, Julian Opie o Marina Abramovic. Las siguientes jornadas se dedicarán a dar voz a los propios artistas: el día 22 se celebrará una mesa redonda en la que participarán Eugenio Ampudia, Mateo Maté, Carlos Aires, Democracia, Cristina Garrido y Rubén Martín de Lucas. Este último es, además, el artista invitado en la nueva edición de ArtMadrid. El día 23, ahora en formato de clase magistral, se celebrará un encuentro con el creador Rogelio López Cuenca. Los ciclos de proyección, comisariados por el equipo del festival PROYECTOR, se agrupan en dos ejes temáticos; por un lado, Del cuerpo presente al cuerpo performativo aborda la representación de formas de resistencia ante lo normativo. Por otro, el ciclo Ciudades se plantea como un viaje utópico hacia cartografías disidentes y silenciadas. En ambos casos, con propuestas orientadas a reivindicar la vitalidad de un medio que, ya desde sus orígenes, ha mostrado una alta capacidad para interpelar el contexto socio-político. ArtMadrid-Proyector’19 . Colectiva. CaixaForum Madrid y Sala Alcalá 31. Comisario: Mario Gutiérrez Cru. Hasta el 23 de febrero.

Después de casi diez años, la saga «Cómo entrenar a tu dragón» está a punto de terminar. La tercera entrega, que llega este viernes a las salas de cine españolas, nos contará la parte final de la mejor amistad que ha existido entre un humano y un dragón, en la que cada uno promete mostrar cuál es su verdadero destino. Pero lo que también nos seguirán descubriendo a nosotros es el increíble e inagotable mundo de los dragones. «En cada entrega hemos ido sumando más especies», asegura Dean Deblois, director y guionista de la trilogía. «Teníamos muy claro que serían gran parte del atractivo y por eso no podíamos dejar ni un detalle sin precisar», asegura. Pese a lo que a priori podemos pensar, no todos los dragones están inspirados en reptiles. «Están basados en todo tipos de animales como loros o lobos. Más que la apariencia lo que buscábamos era una personalidad que nos gustara para cada uno de ellos y simplemente la absorbíamos», explica. Cuando llegó el turno de Desdentao el proceso fue algo más complicado dentro de la intrincada fase de producción. «Nos dimos cuenta de que queríamos que fuera distinto a los demás», confiesa. El Furia Nocturna tenía que tener la capacidad de enamorar al espectador y asustarlo a la vez. «Queríamos que fuera más mamífero que reptil así que finalmente lo hicimos como un 75% de pantera negra y solo un 25% de salamandra. Es obvio que Desdentao tiene algo de reptil y se nota en su destreza, pero también tiene comportamientos parecidos a los de un gran felino», asegura. Puede que esto explique por qué siempre que vemos a un gato negro con los ojos verdes, pensemos en él. Una vez ideado el personaje parecía que el proyecto ya había concluído, pero se trataba de la primera fase de muchas otras. Fue entonces cuando pasaron el personaje al departamento de Modeling, los encargados de «dar vida» a los bocetos. «Los pasan a 3D y empiezan a estudiar cómo se van a mover», explica. Tras esto, solo tienen que incorporarlos con los del resto de personajes en las charlas sobre cinematografía. «Es como si hubiésemos seleccionado el reparto y las localizaciones. Ahora, toca ver los movimientos de la cámara», añade Deblois. Al dejar eso claro, solo necesitaron paciencia y constancia para ver cómo, capa a capa, la apariencia de Desdentao se iba pareciendo más a la que conocemos hoy en día. Gracias a la peculiar y divertida personalidad con la dotó Deblois a Desdentao, el dragón de Hipo nos ha dejado momentos tan divertidos como aquel en el que aprendió a sonreír o cuando «descubrió» que él también podía dibujar en la arena. Pero estos no han sido los únicos. Dreamworks no ha dudado en «abusar» del protagonista de «Cómo entrenar a tu dragón» para mantener enganchada a la audiencia durante los largos periodos de tiempo que ha habido entre película y película. Incluso, le dió la oportunidad de arruinar la audición de Kit Harington para un papel que se parece demasiado al de Jon Snow. Descubriendo un nuevo mundo Desdentao es el principal reclamo de «Cómo entrenar a tu dragón» y por eso Dean Deblois ha querido darle una recompensa. «Después de las dos películas anteriores, ahora es su turno», dice el también creador de Stitch. Después de años luchando junto a Hipo para que este descubriese cuál es su destino y que pudiera reencontrarse con su madre; ahora es el turno de descubrir cuál es el lugar del último (o penúltimo mejor dicho) Furia Nocturna: «Nos vamos a adentar en un mundo en el que no nos habíamos metido antes y que no tiene nada que ver con el santuario de los dragones». Y puede a que más de uno le recuerde a Pandora.

En Estados Unidos, las campañas electorales y las de los premios de cine solo tienen un color, el del dinero. El político que más apoyo (dinero) recauda en las semanas previas acaba de favorito en las encuestas; mientras que en el cine, el que más dinero invierte es el que más apoyo acaba recalando. El trabalenguas se resume en que quien mejor campaña hace (esto es, quien más dinero tiene para invertir en publicidad) es el que acaba llegando como favorito al recuento final. En el caso de los Oscar 2019, Netflix está poniendo toda la carne en el asador para que «Roma», de Alfonso Cuarón, se convierta en el primer filme producido por una plataforma que gane el Oscar a mejor película. Netflix habría pagado hasta 20 millones de dólares para la campaña de «Roma» en los Oscar, la más cara de la década, según medios de EE.UU. Aunque ya nada es como era antes (y bien debería saberlo la plataforma que ha cambiado la forma de consumir cine) y quizá ni el dinero asegura el éxito: no hay una clara candidata para ganar el Oscar a mejor película tras la carrera de premios más extraña que se recuerda. Por primera vez en la historia, cada uno de los premios que organizan los diferentes sectores de la industria ha ido a parar a una película diferente. El premio del sindicato de productores de Estados Unidos (PGA) ha sido para «Green Book»; el de los directores (DGA) para «Roma»; el de los editores (ACE) para «Bohemian Rhapsody»; el sindicato de Actores (los premios SAG) ha apostado por «Black Panther»; los guionistas se decantan por «¿Podrás perdonarme algún día?» (adaptado) y «Eighth Grade» (original). Para rematar, la muy americana American Society of Cinematographers (ASC) eligió «Cold War», del polaco Pawel Pawlikowski, como la mejor de 2018. Un guirigay indescifrable para aquel que quiera apostar. Las diez nominaciones que acumulan «Roma» y «La favorita», que lideran el ránking, no se traducen –al menos en origen– en que la gala de la madrugada del domingo al lunes se convierta en una pelea de dos. «Ha nacido una estrella» tiene mucho que decir incluso en la categoría principal, pese a que Bradley Cooper no se ha hecho con la nominación a mejor dirección. Incluso «Bohemian Rhapsody» está en las apuestas pese al escándalo de acoso sexual que se acaba de conocer de su director, Bryan Singer, y pese a que las críticas internaciones la han dejado por los suelos. Eso sí, si la Academia de Hollywood quiere poner fin al abismo que la separa del público, qué menos que apostar por el biopic de Freddy Mercury o el filme de Lady Gaga, que han arrasado en todo el planeta. O por «Black Panther». La película destinada a consolarse con el Oscar a la película más popular se coló en la lista de las favoritas después de que la Academia se retractara de su propia propuesta del Oscar más palomitero. La primera película de superhéroes en recibir la principal nominación podría dar la campanada. O «Infiltrado en el KKKlan», que en España pasó desapercibida y que ha tenido buen recorrido en los grandes premios de cine, siempre «rascando» metal en alguna de las categorías principales en la carrera de premios. Sus seis nominaciones, Mejor película, Mejor director (la primera vez que Spike Lee lo consigue), Mejor actor de reparto, Mejor guión adaptado, Mejor montaje y Mejor banda sonora apuntan a que quizá no se vaya de vacío. Mucha política, ¿poca diversión? Existe el tópico de que en España, en nuestros premios Goya, siempre se aplaude el cine político mientras que en los Oscar prima el espectáculo del cine más palomitero. Pero, ¿acaso no era «Moonlight», ganadora de hace dos años, una cinta política? ¿O «La forma del agua», triunfadora en 2018, un alegato descarado? El año de cine que el domingo premiará la Academia de Hollywood no es diferente. El sector sigue a la carga contra el presidente Donald Trump, y de las ocho nominadas a mejor película, a seis se le puede sacar punta en su vertiente «anti-Trump». La primera y más evidente es «El vicio del poder», un frenético pastiche de referencias habituales en la izquierda Demócrata que carga con vehemencia contra uno de los personajes más oscuros de la historia política, Dick Cheney, vicepresidente de George W. Bush. Por supuesto, «Infiltrado en el KKKlan», del siempre activista Spike Lee, que desmonta el supremacismo blanco. Incluso «Black Panther», con menos ideología de fondo, ha sido usada como arma cultural para encumbrar el «black power». Incluso la muy accesible y hasta blanca «Green Book», otra historia sobre la segregación racial, es una denuncia del racismo que persiste en la América profunda 50 años después de los hechos reales que narra (y así lo denuncian sus protagonistas en las entrevistas). En plena polémica por el cierre del Gobierno en EE.UU. a cuenta del dinero que Trump exige para construir el muro, la posible victoria de «Roma» se cuenta como un tanto de Hollywood a favor de los hispanos y latinos. Y hasta «La favorita», tan británica como la reina que la protagoniza, se puede leer como una película feminista. Frente a todas, el espectáculo de «Bohemian Rhapsody» y la historia de la cantante «hecha a sí misma» de «Ha nacido una estrella». Una idea, la del éxito individual, tan americana que Hollywood la ha contado en cuatro «remakes». Con política y sin presentador, lo que único claro es que nadie tiene claro qué ocurrirá en la gala de los Oscar.

El mito de «Easy rider» no deja de crecer en pleno siglo XXI. La road movie por excelencia, la apología filmada de la vida en la carretera, la encarnación del sueño hippie… todo cabe en esos 95 minutos de película y leyenda bajo la firma de Dennis Hopper, incapaz de sospechar aquel 14 de julio de 1969 que el estreno de su modesta utopía daría lugar a un culto sin fin que se nutre de ingredientes extracinematográficos. Por tanto, 50 años ya de un delirio a mayor gloria del rock and roll, de los revolucionarios postulados sociales fraguados a golpe de guitarra, de la psicodelia como herramienta vital. Y ahora la cascada de homenajes solo acaba de comenzar, con Fantasporto (el festival de cine de Oporto) abriendo fuego en Europa. De hecho, la cita portuguesa quiso subrayar el medio siglo de este largometraje proyectándolo en la sesión inaugural de su 39ª edición, en el Teatro Rivoli de la ciudad emblema de Manoel de Oliveira. Vidas de leyenda Los sueños y los fantasmas de los años 60 de nuevo en primer plano, mientras sus dos protagonistas aún están vivos: Peter Fonda, que cumple 79 años esta misma semana, y Jack Nicholson, al borde de los 82. También el mismísimo Phil Spector pululaba por la pantalla en un pequeño papel, y hoy se pudre en una cárcel californiana por el ‘homicidio imprudente’ de una actriz de poca monta. Como si hubiera revivido la pesadilla diabólica de Charles Manson, de la que se conmemorarán igualmente cinco décadas el próximo 9 de agosto, día en el que se estrenará en España ‘Once upon a time in Hollywood’, donde Quentin Tarantino se inspira en el contexto del asesinato de Sharon Tate en la mansión de Roman Polanski a manos de la secta que rodeaba al siniestro gurú ya fallecido. Los vientos de libertad y drogas de Easy rider» antecedieron en solo un mes al Festival de Woodstock, que abría sus puertas una semana después de la orgía de sangre de Manson. Era exactamente el trecho entre la esperanza en los nuevos tiempos y el fin del optimismo ‘hippie’. Ahí se inscribía la criatura de Dennis Hopper, plasmada justo cuando los entresijos del satanismo habían salido a la luz en forma de «La semilla del diablo», obra maestra del primer Polanski. Vuelve a sonar el estruendo de Steppenwolf con «Born to be wild», la canción central de Easy rider», perfecta para desatarse a lomos de unas motos de gran cilindrada, con Jimi Hendrix o The Byrds en la recámara. Una fotografía tomada por Dennis Hopper durante el rodaje de Easy Rider que años después utilizó en una de sus exposiciones - AP

«Todos hemos pedido a Hevia [José Ángel Hevia, todavía presidente de SGAE] que dimita, se lo hemos pedido en plan bien, pero no le apetece». Así están las cosas. Clifton Williams, el editor de Alabama Music que impulsó la pasada semana una moción de censura espera que esta misma semana haya masa crítica. Ya no espera que Hevia dimita, pero sí que le hagan dimitir. La imagen que utilizan los miembros de la Junta Directiva es la del Titanic. «Esto se hunde, eso está claro. Con Hevia se hunde. Viene la intervención. Ahora lo mejor es tratar de salvarse. Si te quedas te ahogas, si te intentas subir a un bote, igual te puedes salvar o no», repite Williams, para expresar la presión a la que la espada de Damocles del Ministerio de Cultura ha colocado sobre los actuales responsables de la SGAE al pedir una intervención al juez. Lo cierto es que hay varias cartas ya firmadas favorables al voto de censura. Pero no están claras las 18 necesarias en una Junta Directiva. La iniciativa puesta en marcha por Clifton Williams ha sido secundada por algunos, pero tal vez el grupo con más papeletas para que la votación triunfe es el de los autores reunidos en ADA (Dramático y Audiovisual). Este grupo reúne a algunos de los más importantes exponentes de los colegios de Gran Derecho y Audiovisual. Y cuenta con el poder de 13 votos. Sin embargo tras varias reuniones no han sido capaces de poner una estrategia en marcha. Algunos mantienen que pactaron antes de las elecciones una paz con Hevia para poder hacer gobernable la SGAE. Sin embargo la situación es de una descomposición tal que ya no hay pactos que resistan a lo sucedido en las dos últimas semanas, que contábamos ayer. «Todos estamos de acuerdo en que salga Hevia -comenta un miembro de ADA-, ahí no hay ninguna dificultad y las firmas están claras. Lo malo es el segundo paso: ¿A quién ponemos? Ahí no esta tan claro qué saldría», añade. Williams desentraña esa mirada de los autores de Gran Derecho y Audiovisual: «Claro que tenemos claro que Hevia no puede seguir, pero el segundo paso habrá que hablarlo en la Junta. Incluso se puede hacer dimitir a Hevia y aplazar la segunda decisión. Quedaría Fermín Cabal como presidente interino, por ser el miembro de la Junta de mayor edad, y tendríamos un mes para tomar la decisión definitiva. Todo antes de que siga Hevia», comenta. Y añade: «El presidente está obligado a hacer una autocrítica, porque ha dañado la imagen de SGAE». Entre las ventajas de la moción de censura destacaría «un cambio real de percepción. Hevia lo ha hecho mal y su figura está gastada y es parte del mecanismo de la Rueda y de los cobros millonarios de la música en banda nocturna. Es parte del problema, es parte del núcleo del problema de la SGAE», subraya Williams. Lo urgente «es resolver la cuestión del Ministerio y de la intervención» En un par de semanas podría aprobarse la reforma que deben atender los estatutos. «En junio habrá otro reparto, hay que ponerse a trabajar, adecuar la ley y plegarse al requerimiento. Normalizar la situación, estabilizar la casa». ¿Así el Ministerio retiraría la petición de intervención? Esto es lo que dio a entender el ministro José Guirao ayer, pocas horas después de anunciar la petición al juez de que intervenga. Desde otros colegios se mira con atención y algo de estupor la indecisión de quien tiene 13 votos y no ha movido ficha. «Antonio Onetti nos ha dicho a muchos que quiere ser presidente, pero también sabemos que nunca se presentará si hay otro candidato que pueda hacerle sombra. Solo presentará su candidatura si tiene asegurada la victoria», comentan. ¿Por qué? Vaya usted a saber. Pero eso no suena mucho más transparente que lo que hay, y algunos junteros contactados por ABC no dudan en pensar que es una alternativa que significa cambiar bastante poco. «Lo lógico es que se vote y que gane el mejor». Desde el colegio de Gran Derecho surge otra candidatura con posibilidades, la de Pilar Jurado, compositora y cantante que figura en la Junta en nombre de ese colegio escénico, aunque también pertenece Pequeño Derecho, el colegio de los músicos. Ese colegio tiene a 14 miembros de la Junta señalados por la comisión deontológica, en conflicto de intereses, solo José de Eusebio y Juan José Solana podrían presentarse sin ser repudiados por sus compañeros. «Pilar podría ser la china en el zapato de Onetti», nos comenta otro miembro de la Junta, podría aunar votos de músicos que ya no estarían alineados con Hevia y también tiene votos asegurados en el colegio de Editores, además de muchos compañeros. Es una alternativa muy seria. Pilar Jurado es consciente. Ha firmado ya su carta y se muestra abiertamente favorable a la moción de censura contra el gaitero y actual presidente. «Lo que he vivido en la SGAE en cuatro meses da para un libro», dice sonriente. Pero la alegría se acaba cuando reconoce que «la situación actual es muy mala, fatal». Idealista que se presentó cuando le convencieron de dar un paso al frente porque hacía falta gente nueva, ahora se siente útil aunque sorprendida por los niveles de presión y la maraña de intereses que desconocía. «La SGAE es otro universo, yo estaba acostumbrada a lugares donde 1+1 son 2», afirma misteriosa. «Aquí no es así». Es consciente de lo volátiles pactos que la rodean, a los que deberá enfrentarse. «A mí no pueden exigirme nada porque soy nueva, no tengo peajes. Y creo en la SGAE más allá de lo que he visto allí, los creadores distintos con ganas de cambiar cosas. La SGAE la fundó gente como nosotros, gente de la lírica, para defenderse de los editores abusivos». Es consciente que el panorama es tan oscuro porque hay una batalla aún sin resolver entre los editores de las TV y las multinacionales, una batalla cruenta y sin cuartel. «Es el momento de comprometerse pero hay mucho temor, el poder en juego hace muy duro todo», asevera Jurado, para concluir: «Ya no es momento de tibiezas ni de cobardes. Nos van a intervenir. Hay que pensar en los autores a los que representamos y dejarse de intereses oscuros. O estas en un lado o estás en otro».

Montmartre no es hoy ni una sombra de lo que fue: los miles de turistas que suben y abarrotan la mítica colina de París en busca de algún rastro de la bohemia de finales del siglo XIX se topan de bruces con una realidad bien distinta: la Place du Tertre, plagada de sombrillas y caricaturistas, y un inmaculado Sacré Coeur cuyo mayor interés son las vistas de la ciudad. Ni rastro de los bulliciosos cafés, salas de baile y cabarés que frecuentaban artistas y escritores en apasionadas noches regadas de absenta. Ni rastro tampoco del Bateau-Lavoir, el taller donde Picasso dio vida a cinco prostitutas que cambiaron la historia del arte: sus «Señoritas de Aviñón». Montmartre fue un municipio independiente del norte de París, al que se anexionó en 1860 como el distrito XVIII. Un lugar de marginación que acogió a un grupo de creadores libres, rebeldes, radicales, comprometidos, independientes, que devoraron la ciudad, sacando el arte a sus calles, cabarés, teatros, circos, prostíbulos... La Caixa recrea aquella fascinante aventura en una exposición de producción propia que reúne 339 obras (pinturas, dibujos, esculturas, grabados, carteles, fotografías, objetos...), de una veintena de artistas, cedidos por museos y colecciones privadas de todo el mundo. Por encima de todos ellos destaca Henri de Toulouse-Lautrec, el rey de aquel canalla Montmartre, presente en la muestra con sesenta obras. Metro y medio de genialidad Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec apenas superaba el metro y medio. Nació en 1864 en Albi (Francia) en el seno de una familia aristocrática. Su padre, el conde Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa, se casó con su prima hermana Adèle Tapiè de Celeyran. El pequeño Henri nació con una anomalía congénita, que se agravó con las fracturas en el fémur de ambas piernas que sufrió por sendas caídas del caballo. Ello impidió que sus huesos crecieran con normalidad. Ahogaba su sufrimiento en alcohol y en brazos de las prostitutas, que lo adoraban. Dejaban que las retratara en la intimidad de sus toilettes, vetado al resto de los mortales. Para el comisario de la muestra, Phillip Dennis Cate, Montmartre más que un lugar físico era «un estado de ánimo vanguardista, una actitud, una mentalidad renovadora». Una explosión de libertad, imaginación y creación que vivieron Van Gogh, Manet, Bonnard, Picasso... Y, antes que ellos, Henri-Gabriel Ibels, Théophile Alexandre Steinlen, Suzanne Valadon o Toulouse-Lautrec. Éstos tiraron de humor, ironía, sátira, crítica social y caricatura para desafiar al sistema burgués con sus obras, que salían de los tradicionales lienzos para invadir estampas, carteles, ilustraciones de libros y revistas, programas de mano de obras de teatro, diseños de partituras... Los Incoherentes Las salas de CaixaForum Madrid se tornan en salones del París de fin de siglo, con paredes adamascadas y grandes cortinajes. Pero, ¿quién es quién en el París bohemio? Por allí andaban los Incoherentes, un grupo de creadores que tenían el humor absurdo como santo y seña. Les consideran precursores del dadaísmo, el surrealismo y el teatro del absurdo. Solían frecuentar Le Chat Noir, un cabaré fundado en 1881 por Rodolphe Salis, artista frustrado metido a empresario de la noche parisina. Decorado al estilo Luis XIII, su emblema fue un gato negro sobre una media luna. El local fue adquirido por el cantante y empresario Aristide Bruant, que abrió en él Le Mirliton. Bruant fue inmortalizado con sombrero de ala ancha, bastón y bufanda roja en un famoso cartel firmado por Toulouse-Lautrec. Le Chat Noir tuvo una segunda vida en 1885 con su teatro de sombras, creado por Henri Rivière. Es igualmente celebérrimo el cartel, realizado por Steinlen en 1896, para una gira teatral. Una imagen que inunda el merchanding de los puestos a orillas del Sena. «¿Qué es Montmartre? Nada. ¿Qué debe ser? Todo», decía Salis. Los trabajos de los bohemios ilustraban publicaciones de la época como «La Revue Blanche» o «L’Estampa Originale». Frecuentaban los teatros (el Théâtre Libre, fundado en 1887 por André Antoine; y el Théâtre de l’Oeuvre, creado en 1893 por Lugné-Poe, Mauclair y Vuillard), los circos (el Nouveaux Cirque y el Cirque Fernando, que años después pasó a ser el Cirque Medrano) y los prostíbulos. Baudelaire, Maupassant, Seurat, Gauguin o el mismísimo Toulouse-Lautrec fallecieron a causa de la sífilis. Por las noches, se divertían en locales como el Moulin de la Galette, que inmortalizarían Renoir y Picasso. Se unieron después otros como el Moulin Rouge, el Diván Japonés, el Jardín de París y el Quat’z’Arts. Noches de cancán, en las que cantaba Yvette Guilbert, con sus inseparables guantes largos negros; bailaban Jane Avril, Louise Weber, conocida como La Goulue (la Glotona), con su pareja de baile, Valentín el Deshuesado... Dicen que a finales del XIX París contaba con más de 40 locales de entretenimiento. «En poco tiempo –cuenta el comisario de la exposición– Montmartre se había transformado en el corazón literario y artístico de París. Los propios creadores de aquel ambiente cultural y lúdico lo mercantilizaron hasta tal punto que, irónicamente, la bohemia se convirtió en una gran atracción turística internacional». «Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre» CaixaForum Madrid. Paseo del Prado, 36. Horario: de lunes a domingo, de 10 a 20 horas. Hasta el 19 de mayo

Ha querido el destino que ayer coincidiesen dos estrenos literarios: lo último de Pedro Sánchez y lo último de Emilio Lledó. No tienen mucho que ver, salvo que sus protagonistas, separados por un buen tramo de edad y tantas otras cosas, ilustran con su rostro las portadas. Pero el libro del filósofo –«Palabras en el tiempo. Abecedario filosófico de Emilio Lledó»– lo firma su discípulo Cipriano Játiva, mientras que el presidente ha rubricado en solitario, y en rojo, su «Manual de resistencia» (Península), una decisión que ha dado bastante que hablar, sobre todo a Irene Lozano . «La política, por lo general, está en manos de ignorantes (...) Y el político, dice Aristóteles, tiene que ser decente. Y si no es decente destroza la ciudad, todo lo que tiene a mano», alertaba ayer Lledó durante la presentación de la obra. Lo suyo fue, como tantas otras veces, un canto al valor de la palabra, que tanto escasea en estos tiempos de verborrea oral y editorial. «Tienes que decir algo que tenga sentido. Me llama la atención esta obsesión por la libertad de expresión. La libertad de expresión no tiene la menor importancia si no hay libertad de pensamiento. Claro que es maravillosa… Pero si solo dices majaderías, ¿para qué sirve? Lo importante es la libertad de una mente que fluye como ese río de Heráclito», sentenciaba. El valor del lenguaje El intelectual estaba contento y agradecido, porque se ha visto a sí mismo de una forma nueva y original gracias al trabajo de recopilación y edición que ha hecho Játiva. «Palabras en el tiempo» es una laboriosa selección de las ideas de Lledó, una puerta abierta a ese río que lleva dentro, y en el que flotan los grandes conceptos de lo humano: amistad, amor, cultura, memoria, diálogo… «Él es un maestro de la palabra en el sentido más profundo, filológico y filosófico», subrayó Játiva. Y como maestro, Lledó no se olvidó de reivindicar la necesidad de una educación de calidad, independiente de las ideologías (por elevación, claro). «La igualdad de todos los ciudadanos ante la educación es uno de los principios esenciales de la política. Por eso hay que luchar por esa enseñanza pública, donde no sea el dinero lo que determine la diferencia. Y yo lo he vivido en Alemania. No estoy diciendo ninguna utopía», recordaba. Quizás sea ese el verdadero manual de resistencia. Pero contra la ignorancia. «Palabras en el tiempo. Abecedario filosófico de Emilio Lledó» Cipriano Jávita. Fundación José Manuel Lara y Centro de Estudios Andaluces. 320 páginas. 18 euros

Pompeya es una tragedia congelada en el tiempo. Los restos de la antigua ciudad romana, conservados gracias a la lava que la destruyó, nos muestran cómo fenecieron sus ciudadanos. Pero no todos murieron allí. Algunos escaparon, y ahora tenemos nuevas evidencias de dónde se refugiaron. El arqueólogo e historiador Steven Tuck, de la Universidad de Miami, lo explica en un artículo que se va a publicar en el nuevo número de «Analecta Romana», y cuyo contenido ha avanzado «Forbes». Este investigador ha rastreado los nombres conocidos de ciudadanos de Pompeya y Herculano en otras ciudades que no sufrieron el Vesubio. Su objetivo, ha explicado, era «sacar conclusiones sobre quién sobrevivió a la erupción, dónde se trasladaron, por qué fueron a ciertas comunidades y qué nos dice este patrón sobre cómo funcionaba socialmente el antiguo mundo romano económica y políticamente». Para identificar a los refugiados, Tuck ha recurrido a las lápidas o a las inscripciones en los lugares. Así, ha descubierto el destino de individuos como Marcus Caninius Botrio, cuyo nombre está grabado en el Álbum de Herculano. Él, que vivía en Herculano, sobrevivió a la catástrofe y se refugió en Neapolis, donde murió, tal y como atestigua la inscripción de su tumba. La investigación de Tuck ha demostrado que es posible rastrear a los refugiados del Vesuvio. Él ha concluido que muchos refugiados se asentaron en el lado norte de la Bahía de Nápoles, y que las familias tendían a moverse juntas y luego a casarse dentro de su comunidad de refugiados. Estas personas, ha insistido, probablemente «huyeron ante el primer signo de la erupción». O también puede ser que «estuvieran lejos de las ciudades cuando se produjo la erupción». Lo que no es posible conocer es el número total de supervivientes. «Cuántos refugiados escaparon es una pregunta que no puede responderse con certeza; no existen tantas evidencias como para conseguir cifras precisas».

El futbolista del Real Madrid Gareth Bale y su futura mujer, Emma Rhys-Jones, parecen haber fijado el enclave en el que se celebrará su boda, según ha informado la prensa británica. Para sorpresa de muchos, el lugar elegido no es otro que el exclusivo islote situado frente a la costa de Ibiza, Tagomago. El terreno se gestiona de manera privada por el novio de Norma Duval, Mathías Khün, y pasar una noche durmiendo en los escasos metros de terreno que ocupa no es nada barato. Concretamente, 20.000 euros. Este podría ser el lugar definitivo donde, este próximo verano, Bale se de el «sí quiero» con la que ha sido su novia toda la vida y la madre de sus hijos. La boda ya se ha pospuesto en varias ocasiones por los conflictos existentes con el padre de la novia, quien fue amenazado mientras estaba en prisión por estafa. La isla, de unos 600.000 metros cuadrados, cuenta únicamente con una villa de lujo en la que se han alojado personalidades como Cristiano Ronaldo, Liz Hurley y Justin Timberlake, entre otros. El lugar garantiza en gran parte su privacidad ya que solo se puede acceder mediante embarcación privada y, además, han decidido que la guardia armada vigilará los alrededores. Tagomago está protegido bajo la denominación de Área Natural de Especial Interés y, por este motivo, su actual dueño fue condenado el pasado año, por realizar obras sin autorización. Además son numerosas las asociaciones ecologistas que luchan por evitar su explotación.

Tal vez una de las mayores incógnitas que rodean a Kylie Jenner sea cuántas operaciones de cirugía estética y retoques ha practicado sobre su rostro y cuerpo. Pero lo cierto es que la hermana pequeña de las Kardadhians ha reiterado en diversas ocasiones que no se ha sometido a ninguna operación de cirugía plástica en su rostro. En una entrevista concedida recientemente al portal «Paper», Kylie ha hablado abiertamente sobre el asunto: «La gente piensa que pasé por quirófano y reconstruí completamente mi cara, lo cual es completamente falso». De hecho, ha asegurado que le «aterrorizan» las agujas y que el aspecto de su rostro responde a las maravillas del «maquillaje y la peluquería». Sin embargo sí que ha reconocido que no todo el mérito reside aquí: «También llevo rellenos, no voy a negar eso». Es más, hace unos meses, la joven multimillonaria habló públicamente sobre sus labios y reconoció que iba a quitarse algo de volumen para parecer más natural. El complejo de Kylie con sus labios es mundialmente conocido y, según confesó en una entrevista en el pasado, todo se debe a un episodio que ocurrió cuando tenía 15 años. En su adolescencia un chico con el que se besó le dijo que tenía los labios demasiado finos y fue en aquel momento cuando comenzó a retocárselos. Por otra parte, es la primera vez que Kylie reconoce haber utilizado rellenos en otras partes de su rostro, algo obvio si se compara su aspecto actual con el de hace unos años. Sin embargo, su confesión acerca de la cirugía plástica no ha convencido a los más escépticos.

Han pasado tres años desde que el cantante británico Harry Styles (25 años) pusiera en venta la mansión que tiene en Sunset Strip, cerca de Hollywood, pero parece que ningún comprador está dispuesto a pagar la suma que se estableció en un inicio: 8,5 millones de dólares. Según informa la revista «Variety», Styles ha decidido bajar el precio del inmueble con el fin de atraer más clientes y ha solicitado finalmente 6,9 millones de dólares. La casa cuenta con más de 400 metros cuadrados y está compuesta por cuatro habitaciones, seis baños, jardín y piscina. Además su futuro dueño podrá disfrutar de una sala de cine y un «spa» privado. Por su parte, el vocalista del grupo «One Direction» parece haberse esfumado de la esfera pública desde que terminara su gira en julio de 2018. Su cuenta de Instagram también está «abandonada», y es que Styles escribió un mensaje en esta red social en el que confesaba que estaría un tiempo «desconectado» para dedicarse a «escribir música». Ver esta publicación en Instagram Kissy. Thank you for coming out to see us, it has been a pleasure playing for you all. I'm off to write some more music and I hope I'll be seeing you again very soon. Thank you to my band, the crew, and all of you for making this tour so wonderful. Treat people with kindness. Goodbye for now. I love you all. H Una publicación compartida de @ harrystyles el 16 Jul, 2018 a las 12:43 PDT El cantante, que saltó a la fama gracias al programa «X Factor UK», en el que se formó la banda «One Direction», debutó en la gran pantalla en 2017 protagonizando la película «Dunquerke», de Christopher Nolan. Su grupo, formado por Liam Payne, Zayn Malik (hasta 2015), Niall Horan y Louis Tomlinson se separó «temporalmente» y por el momento los artistas trabajan por separado.

Posiblemente no te suene su cara, pero conoces a Sebastien Jondeau. ¿De qué? De las apariciones públicas de Karl Lagerfeld. Este parisino de mediana edad era su guardaespaldas, su sombra, el hombre que siempre iba detrás del káiser de la moda, como Felipe de Edimburgo va siempre detrás de la Reina Isabel II. A pesar de su puesto como guardaespaldas personal de Lagerfeld, Jondeau sufría el «síndrome del becario». Es decir, su función principal era la seguridad, pero terminó por convertirse en el «chico para todo» del diseñador: chófer, asistente personal, +1 en bodas, compañía para vacaciones, cita para el Baile de la Rosa... Y, por supuesto, suplente en cualquier cosa que a moda se refiera. Ver esta publicación en Instagram Karl never without Choupette ! Una publicación compartida de Sebastien Jondeau (@bentoub) el 14 Sep, 2018 a las 8:41 PDT No han sido una ni dos las ocasiones en las que Jondeau ha posado para la cámara en alguna sesión de fotos porque a Lagerfeld no le gustaba el modelo elegido. En 2013 se convirtió en el protagonista de la colección masculina de Karl Lagerfeld. Y el pasado 2018 voló en solitario con la presentación de una colección cápsula para la firma del modisto, que se presentó el pasado 9 de enero pero no estará a la venta hasta verano. «Estoy muy orgullo de este proyecto para el que he estado trabajando muy duro», aseguró en su cuenta de Instagram. Ver esta publicación en Instagram Back to st trop !! @senequiersttropez @karllagerfeld Una publicación compartida de Sebastien Jondeau (@bentoub) el 16 May, 2018 a las 12:09 PDT La moda y los deportes, sus dos pasiones Jondeau nació en París en 1975 y, además de la moda, se desvive por el deporte. Boxeo, esquí, esquí acuático, motocross... El guardaespaldas nutre su cuenta de Instagram de fotografías en las que presume de prácticas deportivas y de cuerpazo, alternándolas con las imágenes de su vida junto al káiser: vuelos privados, eventos con la jet set y, por supuesto, desfiles. Ver esta publicación en Instagram Petit à petit on commence à maîtriser... #efoil #lift #luxurywatertoys merci à mon poto @thibautsnap pour la tof Una publicación compartida de Sebastien Jondeau (@bentoub) el 5 Ene, 2019 a las 5:43 PST Pero no es oro todo lo que reluce. Ser guardaespaldas de Karl Lagerfeld no era un trabajo fácil, y así lo aseguró Jondeau en un documental. «Mi trabajo es estar cerca de él y asegurarme de que nada le sorprenda», explicó. Además, por si alguien tenía alguna duda, dejó clara que la relación, aunque intensa y cerca, era laboral: «Tenemos una relación de respeto, pero él es mi jefe. La jerarquía está clara».